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5 may. 2012

El origen del teatro griego.La tragedia:Esquilo,Sófocles y Eurípides.La comedia griega.El drama satírico y el mimo

EL TEATRO GRIEGO

El inicio del teatro occidental hay que buscarlo, ¿cómo no?, en Grecia, donde todo el teatro se compuso en verso, lo dividiremos por géneros:

1.- TRAGEDIA, 2.- COMEDIA,3.- DRAMA SATÍRICO Y 4.- MIMO.

1.- LA TRAGEDIA GRIEGA

1.- La Tragedia: 

Orígenes en el ditirambo

Dionisos
Si existe una figura clave en el nacimiento del teatro en Grecia, es sin duda alguna la del dios Dionisos. Hijo de una mortal y de un dios, es la divinidad de la fecundidad, de la vegetación y de la vendimia, características que le permitirán ser figura principal en la sociedad agrícola y ganadera de la Grecia primitiva.

Fiestas en honor a Dionisos: el ditirambo, cantos y danzas en honor a Dionisos

Los griegos celebraban sus fiestas al principio y al final de la siega, piden a los dioses que el campo sea fecundo, y concretamente, se lo piden a Dioniso Eleuterio (liberador). Una procesión de danzantes dionisíacos (tragoi) que representan a los sátiros - compañeros de Dionisos - pasea por las avenidas de la Grecia primitiva seguida por jóvenes ansiosos de alcanzar el éxtasis dionisíaco (recordemos que Dionisos es también, como dios de la vendimia, dios del vino). En estas fiestas, un carro recorre las calles con la estatua de Dionisos sobre él, mientras los ciudadanos danzan, se disfrazan y se embriagan.

Origen de los coros trágicos: En honor a Dionisos Eleuterio (liberador), se sacrifica a un cabrito cuya sangre fecunda los campos y se danza, danzan los tragoi (estos coros de danzantes eran representantes de los sátiros, de hecho, tragos significa macho cabrío en griego) y a la vez que bailan salmodian algunos textos: estamos ante el precedente del coro. Mientras el cabrito se sacrifica sobre un altar, los tragoi giran alrededor de él con sus salmodias y sus danzas. Este canto es el ditirambo, que debió llevarse a cabo en las afueras de cualquier pueblo griego durante las fiestas de la siega, en honor a Dionisos.

En cuanto al texto que salmodiaban los tragoi, lo cierto es que no lo conocemos. Probablemente tenía un estribillo y con el paso del tiempo y la evolución del ditirambo, un elemento llamado ritornello, lanzado como un grito por el coro y respondido por el guía del coro, el exarconte o corifeo, probablemente el primer actor pues ya se trata de un diálogo coro - corifeo. El Origen de los diálogos está en los parlamentos entre el actor y el coro que entonan el ditirambo.

De " tragos" derivará el término tragedia, canto del macho cabrío o de danzantes disfrazados de sátiros. Por su parte la comedia, derivará del término "cômos"(procesión o cortejo dionisíaco) o “kômê”(canto de aldeanos), que sería otro tipo de "gritos" lanzados por los danzantes dionisíacos, un tanto "subidos de tono" durante estas fiestas dionisíacas.

Sea como fuere, el ditirambo es un precedente del teatro helénico pues ya encontramos la principal característica, lo fundamental del teatro: gente que mira y gente que actúa.

La esencia de la tragedia en sus orígenes era el vano combate que sostiene el hombre contra el destino que le domina, ese destino es quien guía inexorablemente los pasos del hombre. En este combate pueden triunfar: los poderes ciegos (por ejemplo Prometeo encadenado de Esquilo) o el héroe (Orestíada de Esquilo o Edipo en Colono de Sófocles); en cualquier caso, el hombre sale elevado y ennoblecido. Los protagonistas son el héroe trágico o bien el héroe cómico.

Con Tespis hubo un solo actor. Fue el inventor de la tragedia y el primero en representar un coro trágico en ditirambos dialogando con 1 actor, en las grandes Dionisias de Atenas en el año 536 a.C. bajo el reinado del tirano Pisístrato. Se pintó la cara de albayalde e introdujo la máscara de lienzo.

Carro naval de Tespis.Origen del carnaval griego

Con Clístenes de Sición la tragedia tomó el tema de un culto a un héroe local, al atribuir este tirano a los ritos dionisiacos el culto al héroe local Adrasto.

Posteriormente, cada uno de los grandes trágicos aumentó el número de actores:

* con Esquilo aparece el segundo actor (deuteragonista); los coreutas o miembros del coro son 12

* con Sófocles el tercero (triagonista); los coreutas o miembros del coro aumentan de 12 a 15

* Eurípides continúa con tres actores e introduce un actor más que pero no habla. Se mejoran las técnicas de maquinaria en el escenario.

CARACTERÍSTICAS DE LA TRAGEDIA GRIEGA:

ESTÁ COMPUESTA EN VERSO. : EN TRÍMETROS YÁMBICOS Y TETRÁMETROS TROCAICOS.
Las partes estructurales de la tragedia son: Prólogo, Párodos, estásimos, episodio o epirrema y éxodo.

Sus elementos básicos son según Aristótelescatarsis (purificación ritual de personas o cosas), anagnórisis (reconocimiento), hamartia (error), hibris (orgullo y obstinación del héroe) peripecia: desviación inesperada de la acción principal en una nueva dirección cambio es brusco, imprevisto) y pathos (sufrimiento).

El arconte epónimo (que daba nombre al año) designaba a los tres coregos -ciudadanos ricos que de esta manera contribuían al fisco- que debían sufragar los gastos ocasionados por la representación de las tragedias y comedias.

El número limitado de actores (3) y 15 coreutas, cada vez más profesionalizados, el atuendo (quitón coturno y bastón) y las máscaras utilizadas por ellos, el acompañamiento musical de las piezas, la tramoya escénica y la representación al aire libre constituyen otros tantos elementos decisivos a la hora de entender la estética de la tragedia antigua.

Las representaciones tenían lugar durante las fiestas en honor a Dioniso Elleuterio y en el teatro de Dioniso al pie de la Acrópolis:

Las grandes Dionisias o urbanas (en Atenas), las Dionisias rurales (fuera de Atenas) y las Leneas (exclusivamente para comedias, que se redujeron de 5 a tres por día por economía de guerra), y las Antesterias, donde se celebraban concursos de actores (se premiaba al mejor actor principal).Duraban 6 días y se representaban ininterrumpidamente todos los días 3 tragedias, un drama satírico y una comedia al atardecer.

Se premiaba a los tres mejores poetas y al actor principal y se registraban sus nombres en inscripciones, junto al corego que subvencionaba el coro y se citaba el nombre del arconte epónimo que organizaba los certámenes del año.

La tragedia evoluciona hacia lo que hoy llamamos el drama, es decir, hacia la comedia burguesa, fundada en conflictos de caracteres, no en conflictos de destinos: y lo que ha marcado este cambio de función ha sido, precisamente, la atrofia progresiva del elemento interrogador, es decir, la atrofia del Coro.

Idéntica evolución se produce en la comedia; al abandonar el cuestionamiento de la sociedad (incluso cuando su contestación fuese regresiva), la comedia política (la de Aristófanes) se convierte en comedia de intriga, de caracteres (Filemón, Menandro): comedia y tragedia tienen entonces por objeto la «verdad» humana. En definitiva: el tiempo de las preguntas había pasado ya para el teatro.”

En el siglo V a.C se dio la moda del vedetismo, por la cual se apreciaba más a los actores que a los propios poetas. Los actores de comedia eran menos valorados que los de tragedia y tenían una importancia más bien local, dada las características de la comedia de la crítica a personajes locales y reales, y actuales (este interés por la crítica de algunos políticos desaparecía cuando éste ya no estaba de moda o en el gobierno) y directamente en la escena.

AUTORES DE TRAGEDIA ÁTICOS. OBRAS

1. Predecesores de Esquilo: fueron Tespis, Quérilo, Prátinas y Frínico

b) Los tres grandes trágicos: Esquilo, Sófocles y Eurípides.

c) Otros trágicos menores: Ión, Critias, Agatón, etc.


ESQUILO.(525 a.C. - 456 a.C.)


Esquilo (siglo IV a.d.C. - siglo V a.d.C.), autor que diviniza a sus personajes. Desafortunadamente, de sus 80 obras, se conservan 7. Es un teatro carente de sutilezas psicológicas, en el que dominan conceptos como la culpa, la hibris y el aprendizaje por el sufrimiento.

1) Vida y época.

Nació en Eleusis, en las proximidades de Atenas, el año 525 a.C. Sus setenta años de vida coinciden con un período de la historia de Atenas jalonado de hechos externos e internos que terminarán consolidando y arraigando el régimen democrático en la ciudad. Era hijo de un rico terrateniente llamado Euforión.
En el año 499 a.C. ya compuso unas tragedias para un concurso. Se llevó el primer premio por primera vez en el año 484 a.C., y lo volvió a ganar doce veces más.
Durante las Guerras Médicas combatió en Maratón (490 a.C.) y en Salamina (480 a.C.); en la primera de las batallas murió su hermano Cinégiro. Esta época gloriosa de la patria ateniense forjó decisivamente su espíritu.
Sus obras lo hicieron famoso, y el tirano Hierón lo llamó a Siracusa, a la que viajó en el 470 a.C. Residió allí dos años y regresó a Atenas, donde obtuvo nuevos triunfos. Pero en el 458 a.C. se dirigió por segunda vez a Sicilia, donde murió, en la ciudad de Gela, en el año 456 a.C. Él mismo se había compuesto su epitafio, en el que no menciona para nada su actividad literaria, y sólo habla de su condición de combatiente en Maratón y Salamina.

2) Obras.

Esquilo escribió alrededor de ochenta obras -agrupadas en tetralogías: tres tragedias, o trilogía, y un drama satírico- de las que nos han quedado siete: tres pertenecientes a una tetralogía, la Orestíada, y cuatro sueltas:

- Los persas.- Segunda pieza de la tetralogía formada por Fineo, Los persas, Glauco y Prometeo. Describe el efecto que la derrota de Salamina produce en la corte persa, cuyo rey muerto, Darío (que aparece en la obra como un espíritu de ultratumba), derrotado en Maratón, y cuyo rey vivo, Jerjes, derrotado en Salamina, reconocen que han infringido el derecho y han pecado de soberbia (hybris) contra los dioses. Aquí está la famosa arenga militar ateniense: “Libertad a la patria, hoy es la guerra por vuestras mujeres, hijos, dioses, etc”, y que se ha convertido en un referente moderno reivindicativo contra Turquía (pronunciado por el arzobispo Cristodulos).

- Los siete contra Tebas.- Tercera pieza de la tetralogía compuesta por Layo, Edipo, Los siete contra Tebas y Esfinge. Explica la lucha fratricida de Polinices y Eteocles, los hijos de Edipo, en la que ambos mueren, al enfrentarse en un duelo individual, Polinices, el atacante muere al herir a su hermano, Eteocles, defensor de la ciudad de Tebas.

- Las suplicantes.- Primera pieza de una trilogía titulada Las Danaides. En ella, cincuenta hermanas nacidas en Egipto de padre griego, Dánao, procedente de Argos, apoyadas en el sagrado derecho de asilo, se dirigen a esta ciudad griega en busca de refugio, huyendo de cincuenta pretendientes egipcios que quieren casarse con ellas. La ciudad de Argos las acoge.

- Prometeo encadenado.- Forma parte de una trilogía: Prometeo portador del fuego, Prometeo encadenado y Prometeo liberado. Narra el castigo infligido por Zeus a Prometeo, por haber robado el fuego a los dioses y habérselo pasado a los hombres.

- La Orestíada u Orestía.- Es la única trilogía que poseemos del teatro griego. Las tres obras venían completadas por el drama satírico Proteo (hoy perdido):

a) Agamenón.- Cuenta el regreso a Argos, desde Troya, del rey Agamenón, que es asesinado a su misma llegada por su esposa Clitemnestra, secundada por su adúltero amante Egisto.

b) Las Coéforas.- Narra la venganza ordenada por Apolo: Orestes mata a su madre Clitemnestra, en venganza del homicidio cometido en la persona de su padre. Es perseguido por las Erinias o furias vengadoras de los muertos.

c) Las Euménides.- En su huida, Orestes llega a Atenas, siempre perseguido por las Erinias. Se refugia en el monte de Ares, donde la diosa Atenea instituye el tribunal del Areópago (etimológicamente, colina de Ares) para juzgarle. Éste lo juzga y lo absuelve. Las Erinias se convierten para Orestes en Euménides (bienhechoras) de él y de la tierra ateniense.

3) Características de su teatro.
Esquilo aportó a la técnica teatral la introducción del segundo actor en el escenario y la limitación del papel del coro, dando a la parte narrativa un papel central.
Descubrimos por primera vez en Esquilo, aunque no sabemos si es invención suya o herencia de otros autores, la distribución de la materia del mito heroico en tres partes, y sobre ellas tres tragedias que tratan los tres momentos clave, que el autor ha señalado en su composición. La obra acababa con un drama satírico, pieza con matices grotescos destinada a descargar el ambiente de la terrible tensión anterior. Podemos decir que estas tetralogías, en su integridad, presentan, como tesis, dos puntos de vista irreconciliables humanamente, que llegan a situaciones límites de desesperación, pero que al fin encuentran una justificación superior, en el plano divino.
Esquilo utilizaba una lengua altamente poética, de carácter elevado, como ya dijo Quintiliano ("sublime, grave y con frecuencia grandilocuente hasta el vicio"). Su vocabulario se caracteriza por los juegos etimológicos y la abundancia de formaciones nuevas.
Podemos observar también en su lenguaje el gusto por las comparaciones y metáforas, cuyo contenido abarcará campos semánticos no usados por los otros trágicos, como por ejemplo el campo de la vida marítima y el de la caza.
4) Ideología del autor.
La Justicia, que Hesíodo sitúa entre los dioses, pero que Solón y Simónides desmitifican y declaran que es algo abstracto aquí en la tierra, recupera en Esquilo su sede divina: los hombres no pueden infringirla sin sufrir funestas consecuencias. Ni siquiera pueden hacerlo los dioses: el castigo de Prometeo es un ejemplo. Pero lo más terrible de la Justicia violada lo tenemos en Los persas, exteriorización impresionante de la ruina total de los persas tras el descalabro de Salamina. Aunque la situación real del hombre sobre la tierra viene ilustrada por la espantosa alternativa que se ofrece a Orestes: o mata a su propia madre, cumpliendo la orden del dios y vengando a su padre, o no la mata, y pasa por la vergüenza de haber dejado sin venganza a su padre.
Para Esquilo, el hombre está sometido a la divinidad y, aún en las más horrorosas situaciones, lo mejor para él es adorar al Destino. Si actúa de otro modo, incurre en error religioso (ate o ceguera), lo cual es mucho peor. "Lo trágico radica en una oposición irreductible": así definió Goethe la tragedia de Esquilo. El hecho de que exista una solución posterior no disminuye ni un ápice la honda tragedia de los protagonistas. El hecho de que Orestes deba ser justificado por la propia diosa Atenea, y no por una mera y externa purificación ritual, que era lo usual entonces, evidencia como aún más terrible la situación humana: sólo los dioses pueden salvar al hombre; éste es un ser esencialmente impotente.


2) SÓFOCLES.(496 a.C. - 406 a.C.)

Sófocles (siglo V a.C), de sus ciento veinte tragedias,solo se conservan siete. Pone al hombre como centro de todo; es la tragedia del héroe solitario. Comienza con él un proceso de humanización que culmina en Eurípides.

1) Vida y época.

Nació en el año 496 a.C. en una rica familia ateniense, en el distrito de Colonos. Su padre, Sófilo, tenía un notable taller de artesanía. Se codeaba con lo más distinguido de la sociedad ateniense, y Sófocles disfrutó de una esmerada educación literaria e incluso musical.

Los noventa años de la vida de Sófocles (496 - 406 a.C.) coinciden con la época de mayor esplendor y protagonismo de su patria, Atenas. No combatió, como Esquilo, en las Guerras Médicas, pero participó en el coro que celebró el triunfo en la batalla de Salamina (480 a.C.).

Tras las reformas de Efialtes, asesinado en el 462, la democracia ateniense cuenta con el joven Pericles como uno de sus principales valedores. La Liga Marítima sufre una nueva orientación que posibilita la firma de una paz con los persas en el 449. Desde el año 443 hasta su muerte en el 429, durante catorce años consecutivos, Pericles ocupa el cargo más importante de Atenas, el de estratego o general. Las profundas reformas políticas, económicas y sociales consolidadas o introducidas en este período, justifican la expresión "siglo de Pericles" como un compendio de la significación de este período en el desarrollo de la democracia ateniense durante el siglo V a.C.

Y es en esta época de Pericles cuando Sófocles, ya maduro, desempeña cargos políticos importantes:

- Fue helenotamía único (tesorero del Imperio) en el año 443 a.C.

- En el 440 a.C., participó como estratego (general), junto con Pericles, en la represión de Naxos, ciudad samia, para implantar la democracia.

En la larga Guerra del Peloponeso (431 - 404 a.C.), fue, para nosotros, testigo mudo en la primera parte, pero emerge en su segunda parte como favorecedor de instituciones religiosas y en funciones de consejero político o próbulo (Fue uno de los diez consejeros elegidos en el 413 tras la derrota de Atenas en Sicilia), no claramente desligado de la efímera instauración de la oligarquía en el 411 a.C. Murió el año 406 a.C., poco antes de la ruina total de Atenas en esta guerra.

Del hombre que expuso a los ojos de los atenienses el dolor y horror sin redención (sólo se salva Edipo) dijeron sus biógrafos antiguos que había sido totalmente feliz, que en su larga vida no había habido ni sombra de infelicidad.
En los torneos teatrales ganó más veces que sus oponentes Esquilo y Eurípides: veinte veces.
Innovaciones de Sófocles como dramaturgo:

1 Aumentó de 12 a 15 el número de coreutas o miembros del coro.
2 Escenografía:(bastón recurvado, color blanco del coturno). Introduce el tercer actor.
3 Piezas individuales y no en trilogías. Acabó con la tradición de los actores de actuar como actores de sus obras.
4 Modo musical frigio.

Técnica dramática:
1. - Ironía trágica (Ambigüedad semántica y de doble sentido).
2. - Contrastes y oposición de sus personajes, que se presentan en la escena por la expresión de ideas contrarias y en diálogos contrapuestos de tesis y antítesis.

Su éxito literario: Su éxito se debe en parte a esto: a su actitud moderadora y conciliadora entre ambas corrientes la tradicional y la progresista, a su espíritu alegre y afable, y a que supo recoger en su obra el pensamiento ateniense de su Hª, su raza y sobre todo a su amor a Atenas como empresa de futuro. Por todo ello se ganó el éxito y favor de los atenienses, que le otorgaron 18 victorias en las Dionisias y 6 victorias en las Leneas (total de 24 victorias x4 obras =96 obras) que suponen un total de 96 obras premiadas. También le otorgaron cargos políticos.

Sófocles es el trágico que mejor nos expresa el sentimiento del “dolor absoluto del héroe” y de la “soledad, abandono y sufrimiento profundo de sus personajes” como aparece en Antígona y Edipo.

SU OBRA:

De sus 123 obras (96 de ellas premiadas) sólo conservamos 7:

“Ayante” (447), “Antígona” (441), “Traquinias” (438) y “Edipo Rey” (425), “Electra” (413), “Filoctetes” (409) y “Edipo en Colono” (406).

Evolución: El propio Sócrates y luego Schadewaldt distinguían 3 etapas en su obra:

1ª Etapa: Años 50 del poeta. Son obras de juventud hasta los años 50, de influencias esquíleas, abarcaría desde el Triptólemo (468), no conservada, hasta el Ayante (447).

2ª Etapa: (55-60 años). Antígona (441), Traquinias (438) y Edipo Rey (425).

3ª Etapa: (octogenario), Electra (413), Filoctetes (409), Edipo en Colono (406). En todas ellas hay relaciones entre las fuerzas que determinan al héroe: lo divino y los demás hombres.

- Áyax.- Muerto Aquiles, sus armas corresponden lógicamente al más valiente de los guerreros supervivientes, que es Áyax. Sin embargo Ulises logra, con sus artimañas, que le sean adjudicadas a él: Áyax quiere vengarse haciendo una mortandad en el campamento griego. Pero la diosa Atenea lo obceca, y el héroe ataca a un rebaño de carneros. Cuando recupera la razón, doblemente humillado y avergonzado, se suicida.

- Antígona.- Levantado el cerco de Tebas con el fracaso de los sitiadores, muertos los hermanos Polinices y Eteocles, el rey Creonte manda enterrar con todos los honores al segundo y dejar insepulto al primero, por traidor a la ciudad, pues murió luchando contra ella. Su hermana Antígona lo entierra "porque hay que obedecer antes a los dioses que a un mortal", pero paga su piedad fraternal con su propia vida: es enterrada viva, lo cual ocasiona daños irreparables a Creonte, quien se da cuenta de su error demasiado tarde.

- Las Traquinias.- Deyanira, esposa de Heracles, se entera de que su marido regresa de una campaña acompañado de una hermosa esclava, Yola. Le envía un vestido que años atrás le entregó el centauro Neso, advirtiéndole que le restituiría el amor de su marido si éste se le desviaba. Pero la túnica lo que hace es abrasar el cuerpo Heracles, sin llegar a matarlo. El hijo de Heracles y Deyanira, Hilo, maldice a su madre, y ésta, al saber el verdadero efecto del vestido, se suicida. La tragedia concluye con el paso por la escena de Heracles, llevado por su propio deseo hacia el Etna, donde quiere morir.

- Edipo Rey.- Es la tragedia de Edipo, que expuesto en un monte por sus padres para evitar que se cumpla un oráculo según el cual matará a su padre y se casará con su madre, es recogido por Pólibo y Mérope, de quien se cree hijo. Ya adolescente, se encuentra en un camino con un desconocido -su propio padre, Layo- al que mata por haber surgido entre ambos una disputa. Cuando llega a Tebas, logra descifrar el enigma que le proponía la Esfinge, con lo cual libera la ciudad y se casa con su propia madre, sin saberlo. Pero la muerte de Layo, no vengada, ocasiona una esterilidad general en el país. Edipo quiere averiguar la causa, y en un magnífico juego dramático se va desvelando el misterio poco a poco. Yocasta, madre y esposa de Edipo, se suicida, y Edipo se vacía las cuencas de los ojos. En un espantoso ambiente de horror y desolación concluye la tragedia.

- Electra.- El tema es el mismo que el de las Coéforas de Esquilo (la venganza por la muerte de Agamenón, matando a Clitemnestra y Egisto), aunque Sófocles le da un tratamiento distinto, en el que la heroína Electra, la hermana de Orestes, juega el papel principal.

- Filoctetes.- El héroe de este nombre tiene un arco, regalo de Heracles. Hay un oráculo que dice que sin el concurso de este arco los aqueos no tomarán Troya. Pero el héroe, mordido en un pie por una serpiente por haber pisado inadvertidamente tierra sagrada, alborotaba con sus gritos el campamento de los aqueos, por lo que éstos lo abandonaron en la isla de Lemnos. Al enterarse del oráculo, Ulises y Neoptólemo, el hijo de Aquiles, acuden a la isla para arrebatar el arco a su dueño, Filoctetes. Ulises quiere hacerlo astutamente, engañando al héroe, y Neoptólemo al principio cede, pero llevado de su natural noble, se arrepiente y declara a Filoctetes toda la verdad. Éste, enfurecido, se niega a acudir a Troya para socorrer a los aqueos, pero al final accede, pues se lo ordena el propio Heracles que aparece en escena.

- Edipo en Colono.- Es el drama de la glorificación de Edipo, que aparece al principio en escena como un mendigo errante acompañado de sus hijas Antígona e Ismene. Al saber que está cerca de Atenas, en el bosquecillo de las Euménides, recuerda un oráculo según el cual aquí debe encontrar su salvación. Un coro de ancianos atenienses quiere expulsarlo del país, pero Edipo reclama la intervención de Teseo, rey de Atenas, quien acude y accede a la petición de Edipo. Éste siente que se aproxima su final y se ausenta de la escena; un mensajero cuenta su final: Edipo, transfigurado, ha pasado a un mundo de luz. El drama termina con la adoración de la Madre Tierra por parte de Teseo, que promete a las hijas de Edipo ayuda y protección.
3) Características de su teatro.

El dolor y la soledad del ser humano

Como autor teatral, suprimió la norma de Esquilo de presentar tres tragedias unidas por el tema. La razón del cambio se debe a otra concepción del mundo y de la vida: ya no tiene lugar en sus obras el motivo de la maldición de la estirpe, que era el punto central del pensamiento esquíleo, sino que ahora la personalidad individual se sitúa en el primer plano de la obra trágica y no hay necesidad de tres tragedias para el desarrollo del tema.

Según Aristóteles, Sófocles innovó la técnica teatral introduciendo el tercer actor: de esta forma, ilumina el carácter principal desde distintos puntos de vista y, como ninguna catástrofe es independiente, siempre veremos implicadas en ella a varias personas.

En Sófocles el coro es considerado como uno de los actores, forma parte del conjunto de la obra y colabora al desarrollo de la acción.

Con más frecuencia que en Esquilo y Eurípides, el desarrollo de una acción trágica depende de la acción recíproca de los caracteres y, por ello, es de gran interés el estudio del carácter, pues la finalidad principal de Sófocles al escribir sus tragedias será crear y desplegar grandes personalidades: las más variadas emociones del corazón humano se reflejan, ya en una sola escena, ya en el fluir de la sucesión dramática. Y este despliegue de emociones se manifiesta cuando el protagonista se enfrenta con los otros personajes, de manera que el contraste de caracteres es una de las facetas más acusadas del arte dramático de Sófocles.
4) Ideología del autor.
Si Sócrates descubrió el prototipo ejemplar a partir de la filosofía, Sófocles hace lo mismo a partir de la escena: sus héroes describen "cómo debería ser el hombre". Sófocles no se preocupa de aquello a que tanto atendía Esquilo: si la desgracia humana se debe a un pecado objetivamente cometido por el hombre. En el planteamiento de los dramas de Sófocles está muy claro que los protagonistas son inocentes.

El elemento religioso es fundamental en Sófocles. Vemos cómo Antígona fundamenta su voluntad de afrontar su destino en un motivo ético y religioso a la vez, o como, en el Áyax, Atenea se burla de este héroe y lo pone como ejemplo de que el poder divino puede llevar al hombre donde quiera. La divinidad no juega siempre en Sófocles, como en Esquilo, un papel positivo: las tragedias de Sófocles no tienen, excepto Edipo en Colono, un "final feliz": en ellas el conflicto trágico no tiene solución, sólo tiene amargo final. Y, sin embargo, tanto el hombre como la ciudad -se nos dice en un coro de Antígona - debe honrar a la divinidad si quiere prosperar.

3) EURÍPIDES (485 a.C. - 406 a.C.)

1) Vida y época.
Según las fuentes más fiables, Eurípides nació en el año 485 a.C. en la isla de Salamina, en el seno de una familia acomodada, pues su padre era un rico terrateniente ateniense. Otras fuentes, de menor crédito, presentan a su padre como un pequeño propietario y a su madre como verdulera.

Por contraste con Sófocles, la tradición hace de Eurípides un ciudadano que no participó activamente en la política. No obstante, esa misma tradición os muestra un Eurípides atento a los movimientos y corrientes intelectuales de su siglo: de una inclinación a la pintura durante su juventud habría pasado después a mantener estrechas relaciones con los pensadores más representativos del momento: Anaxágoras, Protágoras, Pródico y Sócrates. Sabemos, además, que Eurípides poseía una buena biblioteca, hecho excepcional, casi único, en la Atenas de su época.

No es de extrañar, pues, que la comedia de Aristófanes, arma de la reacción, hiciera también de Eurípides uno de sus blancos preferidos. Y es posible que la postura ideológica de Aristófanes también fuera compartida por quienes, desde el jurado, se mostraron reticentes a conceder a Eurípides la victoria de los certámenes teatrales, en los que sólo triunfó cuatro veces, a pesar de haber participado en veintidós ocasiones.

Pero si, como nos dice Tucídides, los soldados atenienses capturados en Sicilia se libraron de la muerte por ser capaces de recitar fragmentos y coros de Eurípides, tenemos un síntoma de que, a un nivel no oficial, el teatro del polémico poeta gozaba ya de la estimación con que le compensaron las centurias venideras.

Hacia el año 408 a.C., seguramente entristecido por el rumbo de los acontecimientos políticos en Atenas, se marchó a Pella, en Macedonia, invitado por el rey Arquelao. Allí murió en el 406 a.C.

2) Obras.

La posteridad premió a Eurípides con una fama y difusión muy superiores a la de los otros dos trágicos, pues de las 92 obras escritas por él conservamos 18: diecisiete tragedias y un drama satírico. Además, la cantidad de fragmentos pertenecientes a las obras perdidas supera con creces a la de la totalidad de los fragmentos de Sófocles y Eurípides.

Si dejamos a un lado el drama satírico El Cíclope, la producción dramática de Eurípides que nos ha llegado es la siguiente: Alcestis (438), Medea (431), Los Heraclidas (430), Hipólito (428), Andrómaca (427), Hécuba (424), Las Suplicantes (423), Electra (415),Las Troyanas (415), Heracles (414), Ifigenia entre los tauros (414), Helena (412), Ión (412), Las Fenicias (410), Ifigenia en Áulide (409), Las Bacantes (409), Orestes (408)

De entre sus obras conservadas podemos destacar las siguientes:

- Alcestis.- Expone el motivo clásico de la esposa que se brinda a morir en vez del marido: Alcestis en lugar de su esposo Admeto. Pero cuando acaba de morir llega la palacio Heracles, que, ignorante de lo acaecido se embriaga. Después, consciente ya de todo, baja al Hades y recupera para Admeto a su esposa, que vuelve con él a la tierra. La obra tiene rasgos burlescos y satíricos, pero el conmovedor sacrificio de la fiel esposa y los lamentos de Admeto ante su casa ahora vacía confieren a la obra un clima genuinamente trágico.

- Medea.- Eurípides organiza su tragedia sobre el mito de los argonautas que, al mando de Jasón, llegaron al Quersoneso tracio en busca del vellocino de oro. Allí se enamora Jasón de Medea, hija del rey del país, diestra en encantamientos y brujerías. Ella huye con los griegos a Corinto, pero posteriormente Jasón la ofende al pretender casarse con otra mujer joven y hermosa. Medea, enfurecida en su ánimo, finge alegrarse de la noticia y manda a la novia como regalo un vestido encantado, de efectos mortíferos. Cuando el regalo ha hecho ya su efecto, Medea mata a sus propios hijos, para herir a Jasón en lo más querido, y, cometido el crimen, tras una escena en la que se burla sarcásticamente del dolor de Jasón, huye en un carro alado. De hecho, la creación de Medea es creación total de Eurípides, pues la tradición del mito sólo daba el nombre, Medea, y nada más.

- Hipólito.- Fedra, esposa de Teseo en segundas nupcias, se enamora perdidamente del hijo de su marido, Hipólito, habido en el primer matrimonio. Este amor imposible le hace enfermar, y quiere dejarse morir. Confía su secreto a su ama, la cual deja entrever algo a Hipólito, quien la rechaza indignado. Fedra renueva su decisión de morir, ahora por un segundo motivo: teme que Hipólito la delate a su esposo. Para perderlo, se ahorca con una tablilla en la mano, en la que deja escrito que Hipólito la requirió de amores. Teseo se enfurece con su hijo, lo destierra y pide a Posidón que lo castigue. Apenas salido de la ciudad, el carruaje en que viajaba Hipólito vuelca, y el joven muere en el accidente.

- Heracles loco.- Es la tragedia del héroe que primero salva a su mujer y sus hijos de una muerte cierta, pero después, enloquecido por las malas artes de Hera, los mata.

- Helena.- Esta obra sólo por su extensión merece el nombre de tragedia. Helena, al ser raptada del palacio de Menelao, es a su vez raptada por Hera, que la traslada a Egipto: lo que Paris se lleva es un ídolo hecho de nubes. En Egipto, la verdadera Helena es pretendida por Teoclímeno, rey del país. Llega de Troya, naufrago, Menelao, sin saber que su esposa está allí. Después del reconocimiento de ambos esposos, con la complicidad de Teonoe, hermana de Teoclímeno, engañan a éste y consiguen escapar. El drama acaba con la rabia impotente de Teoclímeno.

- Las Bacantes.- Es una de las obras maestras del poeta. En ella, Penteo, rey de Tebas, que se opone a la introducción y difusión dentro de su país del culto en honor de Dioniso, resulta finalmente despedazado por las ménades seguidoras del dios, entre las que se encuentra su propia madre, Ágave.

3) Características de su teatro.

Según el testimonio recogido por Aristóteles, Sófocles habría dicho que "él representaba a los personajes como debían ser; Eurípides, tal como son". Eurípides presentaba, por tanto, unos personajes muy cercanos en todo a los hombres de su época. Así, por ejemplo, en Alcestis, la protagonista manifiesta sus dudas y vacilaciones como bien pudiera tenerlas cualquier esposa enamorada y madre amante de sus hijos.

En las tragedias de Eurípides, la función del coro es mucho menos importante aún de lo que lo era en el teatro de Sófocles, pues tiene poco que ver con la trama de la acción dramática. Si en Sófocles el coro era un personaje más de la tragedia, en Eurípides refleja motivos y temas cotidianos próximos al auditorio: la situación de la mujer, los problemas matrimoniales, las penas humanas, etc.

Un rasgo notable del teatro euripídeo es empleo frecuente del "deux ex machina", es decir, la figura divina o similar que aparece al final de una pieza suspendida sobre la escena gracias a una grúa. Esta intervención divina, realmente, no arregla nada, pues la intriga ha terminado ya. El dios aconseja, consuela, adivina el porvenir o da algunas explicaciones sobre el origen de cultos o fiestas religiosas.

Ya los críticos antiguos destacaron la naturalidad y fluidez del lenguaje de Eurípides: en los discursos de los personajes utiliza una lengua muy parecida al ático culto de la época, aunque con numerosos elementos populares. Su escaso uso de las metáforas y símiles se ve compensado por el empleo de un lenguaje pictórico, descriptivo, dotado de gran fuerza dramática: sus imágenes visuales demuestran una gran sensibilidad por los efectos de luz y color, por el movimiento de los personajes y la distribución escénica.

4) Ideología del autor.

Eurípides estuvo al tanto de las corrientes culturales e ideológicas de su época. En su obra se refleja de forma asistemática, dispersa, la terrible convulsión experimentada por Atenas durante la larga guerra del Peloponeso. Así, se ha llegado a calificarlo de racionalista, crítico de los viejos mitos y poeta de la Ilustración griega, puesto que en su obra presenta personajes próximos a los atenienses de su época; y, por otra, se le ha visto como el estudioso de lo irracional, de los cultos báquicos.

En el tratamiento que hace de los dioses, observamos en algunas partes de su obra un sentimiento religioso en consonancia con las ideas tradicionales. Sin embargo, en otras, critica a unos dioses que actúan llevados por venganzas personales. Pero el poeta no duda realmente de la existencia de los dioses, sino de que sean realmente éstos los responsables de las absurdas acciones que se les imputan.

W. Jaeger ha destacado tres elementos innovadores en la aportación de Eurípides:

a) El realismo burgués.- Llevó a la escena a los atenienses de aquellos años con gran lucidez y crudeza, presentando los problemas propios de su época y humanizando mucho los héroes trágicos.

b) La retórica.- Este rasgo esencial del lenguaje euripídeo lo invade todo: los personajes, incluso en las situaciones más inesperadas, gustan de discusiones retóricas de las que tan amantes eran los atenienses.

c) La preocupación filosófica.- Es constante en su obra la presencia de teorías filosóficas, expuestas por su personajes.

Ya desde sus primeras obras, Eurípides describirá hábilmente el complejo mundo de los sentimientos y las pasiones, mostrándose como un consumado experto en expresar las emociones íntimas, desde la cólera implacable de Medea hasta la actitud, bien pacífica, bien desbordada y salvaje, de las bacantes. Se le ha llegado a llamar el primer psicólogo.

Eurípides (siglo V a.d.C.), se conservan diecisiete de sus obras, que son reflejo de ideas y problemas nuevos, próximos a la realidad de su época, sus héroes son presa de las debilidades humanas, es el filósofo de la escena.

OBRAS: En su época, siglo V a. C., fue el trágico menos premiado. Sólo obtuvo seis premios literarios y dos de ellos a sus obras póstumas de "Ifigenia en Áulide" y "Bacantes" (406 a. C.). Es a partir del S. IV a. C., en el Helenismo y en la actualidad, cuando se revaloriza su obra y su pensamiento. Es del trágico que más obras conservamos (diecinueve en total). Escribió más de noventa y dos obras, sólo conocidas por sus títulos y fragmentos.

A pesar de sus acusaciones de misoginia, la mayoría de las protagonistas de sus obras son mujeres: Alcestis (438), Medea (431), Andrómaca (425), Hécuba (424) de tema pacifista, Suplicantes (423), Troyanas (415), Electra (413), Helena (412), Fenicias (412), Ifigenia en Áulide y Bacantes (406) y La Ifigenia entre los Tauros.

Las demás tienen nombres masculinos, aunque las protagonistas seguían siendo las heroínas: Hipólito (428), Heráclides (427), Ión (412), Orestes (408), Reso, el Cíclope y Heracles. Según Sarah B. Pomeroy, los "chascarrillos de su pretendida misoginia y las acusaciones a las mujeres en sus obras son un reflejo de la crítica de Eurípides a lo que opinaba la gente común y corriente, solo lo ponía en entredicho".





LA COMEDIA: INTRODUCCIÓN
1) Origen e historia.

DEFINICIÓN Y ORIGEN ETIMOLÓGICO DEL TÉRMINO:

Se trata de un tipo de drama que usa una acción relacionada con la vida real y una expresión ligera. No gozó de buena fama entre algunos de los más reputados autores griegos por perturbadora del ánimo (Platón y Aristóteles la condenaron); según Aristóteles su origen está en los cantos fálicos, en los coros de falóforos y de animales. Se postulan dos palabras etimológicas: Kômoi y kômê (procesión o cortejos fálicos de sátiros dionisíacos o cantos de aldeanos)
Según Aristóteles y en su obra Poética, el origen está en las faloforias y en los yambos del gefirismós eleusino (burlas del puente).Estos cômos eran cantos de banquete de coros disfrazados de falos (Dioniso era el dios de la fertilidad y de la fecundidad, de la vegetación, etc).La comedia política ateniense pretende educar al pueblo y salvar a la ciudad mediante la vis cómica.
En las fiestas de Atenas relacionadas con Dioniso se daban las circunstancias precisas para el nacimiento de la comedia. Sin embargo, la elevación a categoría artística y literaria de los elementos teatrales inherentes a la fiesta popular -pues en esto consiste una comedia- se produjo algo más tarde que en el caso de la tragedia: hasta el 486 a.C. no se organizaron las primeras competiciones de comedias, y sólo desde el 445 tuvieron el apoyo oficial de la ciudad.
Las Grandes Dionisias urbanas, en marzo, y las Dionisias rurales (a finales de Diciembre) y las Leneas, en enero, contaron a partir de esas fechas con la representación de una comedia cada día de certamen a continuación de las tres tragedias y el drama satírico que también se representaban dentro de la misma jornada. También había concursos de actores cómicos en las Antesterias(a finales de Febrero) donde se premiaba al mejor actor principal.

• ESTRUCTURA:

1ªparte: prólogo (Párodos, proagón y agón) y parábasis. 2ª parte: Éxodo o salida del coro. Termina con el triunfo del héroe cómico y de la felicidad conseguida. El oportunista o bufón se opone a sus pretensiones. Final con fiesta o borrachera, o boda, comida o cena en común (asambleístas). Escenas sueltas de tipo burlesco.

• LA COMEDIA SICILIANA (influjo en la comedia ática)
• Formis, Quiónides, Magnes, Epicarmo y Sofrón(el mimo).
• Epicarmo (530 a.d.C. - 440 a.d.C.) compuso versiones burlescas de la historia, sobre dioses o héroes (burlas de Hércules y Ulises). Influyó mucho en Aristófanes. Son comedias sociales, con prototipos que aparecerán luego en la comedia ática.

• LA COMEDIA ÁTICA:
1. COMEDIA ANTIGUA.
• Antecesores de Aristófanes: Susarión de Mégara, es el inventor de la comedia, pues fue el primero en representar una comedia en el año 570 a.C en el demo ático de Icaria. Otros fueron Quiónides, Magnes, Ecfántides, Crates, Platón el cómico, Cratino Ferécrates. Frínico y Eúpolis. Cratino (influyó por su sátira política y personal a ristófanres) disputó literariamente con Aristófanes en su Botella y Aristófanes le respondió en su obra Caballeros, con ataque personales, llamándole borracho, etc.

• Aristófanes (445 a.d.C.-388 a.d.C.) compuso obras políticas, utópicas y sociales y de entretenimiento, en las que hay unión de fantasía y realismo, burla y seriedad. En sus obras hay parodia de los políticos de su época, de héroes y dioses (Hércules y Dioniso en Ranas), de la epopeya, la lírica, la tragedia y el lenguaje de los oráculos. Vemos variedad temática con tono humano.

2. LA COMEDIA MEDIA (periodo oscuro): hay un cambio de temas (comida, sexo, parodia de la filosofía). Caída de los cantos corales y máscaras muy deformadas. Autores: Alexis, Antífanes, Eubulo y Anaxándrides.

3. LA COMEDIA NUEVA: se centran más en el ser humano y el coro pierde su importancia, pero tratan los mismos temas. Destacan Dífilo, Filemón y Menandro (342 a.d.C. - 291 a.d.C.), influido por Eurípides.

Sin olvidar el relativismo propio de las divisiones históricas, podemos distinguir tres etapas en la evolución del teatro cómico griego:

a) La Comedia Antigua.- Entre 450 y 404 a.C. Entre sus cultivadores podemos destacar a Cratino, Crates, Éupolis y, sobre todo, Aristófanes.

El calificativo de "política" dado a la comedia de esta época recoge la principal de sus características por cuanto que, como podremos ver en Aristófanes, la temática de sus obras se centra en la crítica de personas, instituciones o problemas importantes para la vida de la ciudad.

b) La Comedia Media.- Se desarrolla entre 404 y 338 a.C. Anaxándrides, Antífanes, Eubulo y Alexis fueron los cuatro comediógrafos más famosos de los casi sesenta nombres que conocemos. La parodia mitológica y literaria o la peripecia novelesca constituyen algunos de los ingredientes de este tipo de comedia.

c) La Comedia Nueva.- Tuvo en Filemón, Dífilo y, sobre todo Menandro, los nombres más relevantes entre sus cultivadores. A la ausencia del coro, ya compartida por la Media, se une en la Comedia Nueva el cultivo generalizado de una temática costumbrista y moralizante. Sátira de vicios y costumbres, se abandona la sátira personal, el lenguaje es menos soez, obsceno y vulgar. Personajes prototipos de las clases sociales bajas (soldado fanfarrón, parásito, cocinero, bufón, heteras más refinadas, esclavos, etc).

2) Estructura de la comedia.

El análisis de las únicas comedias enteras que conservamos, las de Aristófanes, hace suponer que la estructura de la comedia antigua era bastante uniforme. Una tras otra, toda comedia suele constar de las seis partes siguientes:

1) El prólogo.- Desarrollado en forma dialogada, tiene la función de introducirnos en la temática de la obra y suele incluir la presentación del héroe cómico y del plan con el que éste pretende hacer frente a la situación.

2) La párodos.- El coro, mientras entra, entona su canto de repulsa o adhesión al héroe y se dirige al público.

3) El agón.- El héroe cómico se enfrenta a algún detractor de su plan, normalmente el típico bufón (Blépiro frente a Praxágora) para acabar triunfando finalmente. Es un “debate" o enfrentamiento verbal entre dos adversarios con argumentos a favor y en contra del tema capital de la obra. Normalmente tiene la forma de un par de discursos en tetrámetros (la llamada sizigia epirremática) y el primero en hablar es siempre el perdedor.

4) La parábasis.- Es la 2º entrada del coro en escena. Tras el triunfo del héroe cómico en el agón, el coro o su jefe se dirige directamente al público y le habla en nombre del poeta. Suele tener 5 partes: 1.Kommation: introducción y recitado del corifeo. 2. Pnigos:Ahogamiento.3.Oda y antoda: Canto y danza del coro.5. Epirrema y antepírrema: el corifeo recita al auditorio.5. Sfragis o sello.

5) Episodios. Siguiendo a la parábasis viene una serie de episodios (epeisódia) separados por breves cantos del coro que a veces continúan la línea de la trama principal, aunque por regla general se limitan a ilustrar la conclusión que se desprende del agón. La explotación del éxito.- El héroe ha de hacer frente a quienes, malinterpretando su victoria, quieren solaparla o aprovecharse de ella.

6) Éxodo(salida del coro) o comos. Escena final, en la que la nota predominante es la alegría que generalmente da paso a una boda o a una fiesta. La obra puede concluir con un córdax o danza ritual. El cômos. Para terminar, el poeta suele introducir el festejo del cômos como una apoteosis de la victoria conseguida por el héroe de la comedia. Es el momento en el que la felicidad o la abundancia son ofrecidas al pueblo, simbolizado por el coro, en forma de himeneo o de un banquete.

• Esta estructura evoluciona hacia una simplificación que, tras la eliminación del coro, desemboca en la estandarización típica de las comedias de Menandro: un prólogo y cinco actos. a. prólogos, "prólogo", una escena que abre la obra, de tipo expositivo, antes de la entrada del coro.

4) ARISTÓFANES (c. 445 - c. 338 a.C.)

1) Vida y época.

Nació hacia el año 445 a.C. en el demo ateniense de Cidateneo. De su vida se sabe muy poco: sólo algunos datos aportados por el propio autor y las citas que de él hace Platón en la Apología y El Banquete. Murió en algún momento después del 338, fecha de la representación de su obra Pluto.

El centro de su vida se coloca en la época de la guerra del Peloponeso (431-404), a la cual pertenecen todas sus comedias conservadas, excepto Las asambleístas y Pluto, las menos significativas de todas, provistas ya de algunas características de la comedia posterior.

Fue contemporáneo de poetas cómicos como Cratino y Éupolis y de trágicos como Sófocles y Eurípides, cuyas obras conservadas son, casi todas, también de esta época. En ella, Atenas, llena de poderío a la cabeza de su imperio, chocó con Esparta y sus seguidores: primero, llena de esperanzas; luego, en una situación cada vez más difícil, en la que a la lucha externa contra enemigos superiores se sumaba un conflicto entre el ala radical de la democracia ateniense, dominada por agitadores como Cleón, y el ala moderada, que a veces se unía a los oligarcas y conspiradores.

Es una época trágica de Atenas, que va a hundirse a partir de ese momento en una decadencia política y económica y que, en lo literario, verá el final de géneros como la tragedia y la comedia antigua. Aristófanes va criticando siempre a los salientes y añora a los pasados: Cimón, Pericles, Cleón, Hipérbolo y Alcibíades. La paz va a ser el ideario político tras el desastre de Sicilia.

2) Obras.

La antigüedad conoció 44 comedias de Aristófanes, pero a nosotros sólo nos han llegado 11 y algunos fragmentos de las restantes. En el conjunto de las comedias conservadas podemos distinguir tres grandes grupos:

1) Comedias predominantemente políticas (425-421 a.C.).- Los Acarnienses (contra el demagogo y militar Lámaco), Los Caballeros (contra Cleón), Las nubes (Sócrates), Las avispas(los pleitos judiciales) y La paz. Predomina la Sátira de la Guerra del Peloponeso y sus funestas consecuencias para Atenas y crítica de los políticos: Lámaco, Cleón, Pericles, etc.

2) Comedia romántica y literaria. Comedias de sátiras sociales y literarias (414-405).- Las aves y Lisístrata (tema de la utópica paz entre Esparta y Atenas), sátiras literarias Contra Eurípides y alabanza de Esquilo: en Las Tesmoforias (fiestas de Ceres) y Las Ranas. En ellas muestra un menor interés por las cuestiones políticas y una cierta propensión a la evasión de la realidad y a la fantasía (Aves y Lisístrata).

3) Comedias de puro regocijo, de evasión de la realidad y utópicas (393-388).- Las asambleístas y Pluto. Representan ya el paso a la comedia nueva, no sólo por el cambio de estructura formal, sino por los temas, donde la política es reemplazada por la ética, la sátira de los vicios de la época y pierde importancia la crítica directa y política, se va hacia personajes típicos y a sus costumbres sin mencionarlos personalmente. Son símbolos de los personajes de la Comedia Nueva o comedia de costumbres, que se perfilan ya en algunas obras y personajes de Aristófanes:(el militar fanfarrón aparece ya en el Lámaco de Acarnienses, la rivalidad amatoria de las mujeres en asambleístas, etc). El lenguaje se vuelve menos soez y vulgar.

Los argumentos de estas comedias conservadas son los siguientes:

- Los acarnienses.- En ella se condena la guerra y el militarismo de algunos generales como el ateniense Lámaco. Nos presenta al campesino Diceópolis que ha concluido particularmente una tregua de treinta años con Esparta y abre un mercado público ante el cual desfilan en vano para negociar sus conciudadanos del demo ateniense de Acarne.

- Los caballeros.- Es un ataque contra la democracia ateniense y su jefe, el curtidor Cleón. Éste, representado por el esclavo Paflagón, explota con engaños y adulaciones a su viejo dueño Demos (el pueblo) hasta que otros dos esclavos, fieles a su amo, logran sustituirlo por un vendedor de salchichas, que resulta ser más ruin y vulgar que el anterior. También es una disputa literaria contra Cratino al que llama borracho, éste le respondió con su Botella.

- Las nubes.- Sátira educativa contra los sofistas y Sócrates. Trata el problema de la educación. Hace de Sócrates el blanco de sus golpes, presentándolo como símbolo de todas las novedades espirituales de aquel tiempo. Sócrates aparece como el extravagante jefe de una escuela, el "Pensatorio", donde acude Estrepsíades, atormentado porque su mujer y su hijo Fidípides lo han cargado de deudas, e intenta aprender el arte de vencer con razonamientos las causas más difíciles. Fracasa en su empeño y convence a su hijo para que ocupe su lugar en la escuela. Pero Fidípides sale tan aventajado que apalea al padre y le demuestra que esta conducta está de acuerdo con la justicia. Finalmente, un encolerizado Estrepsíades prende fuego a la casa de Sócrates.

- Las avispas.- Es una sátira de la manía judicial del pueblo ateniense, aumentada al elevar Cleón los sueldos de los jueces. En ella, el anciano Filocleón (el que ama a Cleón) es uno de esos maníacos de la justicia, a quien su hijo Bdelicleón (el que odia a Cleón) ha secuestrado en su casa. Después de una serie de cómicas tentativas de evasión por parte de Filocleón, su hijo, con el fin de satisfacer el capricho de su padre, instala en el domicilio paterno una especie de tribunal doméstico. Al final, el anciano se convierte de su manía judiciaria y se pasa a la vida alegre de los jóvenes, entre banquetes y canciones. Cleón fue enemigo político de Aristófanes por sus continuos ataques en sus comedias.

- La paz.- Celebra la paz firmada con los espartanos en el año 421 (Paz de Nicias): Un ateniense reducido a la miseria por la guerra, Trigeo, sube al cielo en un escarabajo alado y trae de allí la Paz a la tierra, a Atenas. Censura de Cleón y los aticónicos por su excesiva desconfianza hacia las propuestas de Paz del os espartanos. Cleón envió una embajada a Esparta para negarse a las propuestas de la Paz de Nicias.

- Las aves.- Es una comedia de evasión, de fantasía y utópica ante el irrespirable ambiente de guerra que respira la ciudad durante la expedición a Sicilia (año 414): Dos atenienses, Evélpides y Pistetero, cansados de la vida que se lleva en su patria, convencen a las aves para que funden una ciudad utópica (Nefelocoquigia) entre el cielo y la tierra con el fin de evitar todo contacto entre dioses y hombres. De esa ciudad quedan excluidos los corruptos, delatores, los demagogos y los dioses. Estos, privados del humo de los sacrificios, se ven al fin obligados a pactar con los dos atenienses, y Pistetero se casa con la Realeza y sucede a Zeus en el dominio universal.

- Lisístrata.- En ella insiste en el tema de la paz y la concordia entre las ciudades griegas de Atenas y Esparta: Las mujeres griegas, capitaneadas por la ateniense Lisístrata, logran convencer a sus maridos, tras negarles todo trato conyugal, para que terminen la guerra. Las mujeres espartanas y atenienses proponen una huelga de sexo capitaneadas por Lisístrata. Es una utopía parodiada de la paz entre Esparta y Atenas.

- Las Tesmoforias.- Es una despiadada crítica de Eurípides, a propósito de ciertas actitudes suyas de misoginia: Las mujeres, reunidas en su fiesta particular de las Tesmoforias, deciden vengarse de Eurípides. Un pariente de éste, disfrazado de mujer, toma su defensa, pero es descubierto y Eurípides, después de varios intentos, logra salvarlo.

- Las Ranas.- Continúa el autor con su crítica hacia Eurípides: Tras la muerte de Sófocles (el último de los tres trágicos en morir), Dioniso, acompañado de su astuto criado Jantias, baja al Hades para traer de allí un poeta y colocarlo en el trono de la tragedia. En el Hades se establece un certamen entre Esquilo y Eurípides para lograr dicho trono, y finalmente vence Esquilo, que regresa triunfante a la tierra.

- Las Asambleístas.- 392 a.C Desarrolla ideas comunitarias que posiblemente flotaban ya en el ambiente, pero que todavía no habían sido sistematizadas por Platón en su República: Las mujeres atenienses, capitaneadas por Praxágora, toman el poder e imponen una reforma del Estado, basada en la comunidad de bienes y de las mujeres, lo cual da lugar a una serie de escenas de carácter bufonesco, terminando con un gran banquete, al que asisten todos los ciudadanos. Temas de la ginecocracia (gobierno utópico feminista y mujeril), comunismo igualitario, alimentación estatal, comunismo de bienes, mujeres e hijos. Amor libre. Igualitarismo amatorio de las mujeres más feas. Comunismo igualitario y antibelicista. Desaparece la propiedad privada. Época histórica de la obra: Derrota ateniense de Egospótamos. Desencanto social y despreocupación de la política. Tiranía de los treinta Tiranos y restauración del Democracia. La obra termina con un banquete común de triunfo donde el coro expone la palabra más larga de la literatura griega, un plato inventado de 79 sílabas: se trata de un plato delicatesen compuesto en versos tetrámetros dactílico-epitritos, en él había todo tipo de carnes y pescados, aderezados con salsa, vino y miel.

- Pluto.- Plantea el problema de la mala distribución de la riqueza en la sociedad: El ateniense Crémilo, pobre pero honrado, devuelve la vista a Pluto, dios de la riqueza. La segunda parte de la comedia muestra los efectos de esta curación del dios: los buenos son colmados de bienes y los malos caen en la miseria. Parodia política y utopía de la Riqueza y la Pobreza.

3) Características de su teatro.

La obra de Aristófanes es un verdadero microcosmos, el en que pulula toda la sociedad ateniense de su época, con sus usos y costumbres: vemos como actúan los políticos, los jueces, la policía, los abogados, mercaderes, campesinos, sofistas, etc.

Si exceptuamos el uso de palabras o giros de la épica, la lírica o la tragedia, y de otros dialectos griegos populares para provocar la risa, encontramos en las comedias aristofánicas un modelo de ático coloquial de su época. Su dominio del idioma lo podemos apreciar, también, en la habilidad con que se sirve de las más diversas figuras poéticas: aliteración, equívoco, paronomasia, ironía, etc.

Sus comedias, aunque son puramente fantásticas, nunca pierden de vista la realidad del momento y ayudan a conocer mejor los hechos de la vida diaria. Esta mezcla de realidad y fantasía constituye un rasgo esencial de toda la comedia antigua, pues la comedia era una plataforma desde la cual los hombres políticos y los acontecimientos eran ridiculizados y discutidos, y por ello refleja una combinación de realidad e irrealidad, de sueños fantásticos, pero en los que toman parte hombres de carne y hueso. Así, por ejemplo, la paz privada que pacta Diceópolis en Los acarnienses es ridícula e imposible, pero tiene lugar entre personas y acontecimientos reales.
4) Ideología del autor.
Aristófanes tiene fama de reaccionario por sus alegatos en favor de la vieja Atenas y sus ataques a los jóvenes, a los filósofos y a Eurípides. Pero también tiene fama de progresista, igualitario y pacifista. Esto nos demuestra que los temas tradicionales de burla y risa no deben interpretarse como definidores de una postura ideológica: así, por ejemplo, el tema burlesco referido a los dioses, tradicional en la comedia, no equivale a ateísmo, y los ataques a Eurípides no excluyen una admiración hacia él.

La comedia, que es crítica, rechaza el mundo que le rodea y busca un ideal. Le puede molestar, ya lo anticuado e inoperante, ya las innovaciones disonantes. Critica al mismo tiempo a los jóvenes que desprecian la tradición y a los vejestorios anticuados y torpes.

Puede decirse que toda la comedia antigua tiene una cierta factura tradicional y conservadora: es lo nuevo lo que, por su provisional incoherencia con el resto del sistema, lo que mueve a la risa.

En lo referente al pensamiento "progresista" de Aristófanes, debemos tener en cuenta que es un cómico, no un pensador profesional. Su pacifismo parece sincero, pero, por ejemplo, tenemos serias dudas sobre si realmente se toma al pie de la letra la igualdad entre hombres y mujeres, pues en realidad actúa siguiendo el tópico del "mundo al revés" cuando nos presenta a las mujeres venciendo a los hombres.

No puede citarse un solo pasaje de Aristófanes antidemocrático o prooligárquico, pero critica al ala radical e imperialista de la democracia ateniense. Sus preferidos son los campesinos y el pueblo medio.

En definitiva, vemos en Aristófanes cuán matizado y rico, incluso contradictorio, podía ser el pensamiento de un ateniense de las clases cultas en la época de la guerra del Peloponeso.

MENANDRO (343-291 a. C.)

Busto de Menandro, copia romana en mármol de un original griego (c. 343-291 a. C.)
Menandro (en griego Μένανδρος) (Atenas, h. 342 a. C. - ibídem, h. 292 a. C.), comediógrafo griego, máximo exponente de la llamada Comedia nueva
En su obra destacan El misántropo. El arbitraje, la Samia, Georgos, Dis exapatón, la trasquilada, El escudo.

El misántropo (Δύσκολος)

En una casa de File vive Cnemón, un viejo misántropo, con su hija (sin nombre propio). A pocos metros y en otra casa, vive su esposa con el hijo de su primer matrimonio, Gorgias, vive allí porque no ha podido soportar vivir más con Cnemón. Sóstrato, un rico labrador, se enamora de la hija de Cnemón y manda un emisario para que formalice la relación entre los jóvenes, pero Cnemón recibe a pedradas y a gritos al emisario y logra espantarlo de la casa. Gorgias habla entonces con Sóstrato y tras comprobar que las intenciones para con su hermanastra son buenas, decide ayudar a Sóstrato diciéndole que se haga pasar por un trabajador suyo. Sóstrato aguanta el trabajo de bracero, al que no está acostumbrado hasta que un día Cnemón cae en un pozo y es rescatado por su hija, Gorgias y Sóstrato y de esta forma recapacita Cnemón que se cuestiona lo bueno de la soledad. Decide entonces comenzar a tratar a Gorgias como hijo suyo y le manda que busque esposo a su hermana. Gorgias lo hace inmediatamente, Sóstrato, lógicamente, es el fin de su búsqueda. El matrimonio se aprueba.

Cuando Menandro escribe esta comedia, tiene apenas 26 años, y a lo largo de su carrera podremos ver cómo las características que aquí asoman, las va desarrollando. En un ambiente rural, destaca la figura de un viejo misántropo, Cnemón, un viejo solitario que repele las relaciones y que quiere vivir solo de por vida. En este cuadro se desarrolla la trama amorosa cuyo objetivo no es otro que hacer ver a Cnemón el error que conlleva la soledad y el repeler de las relaciones afectivas. Finalmente Cnemón comprende lo absurdo de su soledad, que es bueno vivir manteniendo relaciones con los demás, y la comedia termina con una fiesta de bodas a la que ha de acudir el viejo. Menandro ataca el vicio de la insociabilidad, pero sin exagerar al viejo Cnemón en su defecto ya que incluso despierta simpatía. Es una comedia muy alegre y divertida con tintes rurales muy interesantes.

El arbitraje (Επιτρέποντες)

Un esclavo, Davo, ha encontrado a un niño abandonado y se lo da a Sirisco, un carbonero. Sin embargo, antes de ceder al niño, Davo se ha quedado con las joyas que llevaba el retoño consigo y es por esto por lo que Sirisco las reclama. Como no logran poner fin a su discusión, deciden acudir al viejo Esmícrenes para que arbitre. Esmícrenes decide que joyas y niño son inseparables y que por tanto deben pasar a manos de Sirisco. La hija de Esmícrenes, Pánfila, casada con Carisio y repudiada por él, regresa a la ciudad y explica que tuvo un hijo pero que lo abandonó puesto que fue concebido antes del matrimonio. Onésimo, esclavo de Carisio - el ex-marido de Pánfila - reconoce las joyas del niño: fueron las joyas que su amo Carisio entregó a una joven a la que violó en una fiesta. Cuando se identifica a la mujer violada, se sabe que fue la misma Pánfila, que no conocía quién la había violado. Cuando se descubre que fue violada por el que iba a ser su esposo y que era hijo de éste, todo acaba felizmente.

Aunque de esta comedia sólo nos han llegado fragmentos, lo cierto es que en ella podemos ver claramente la gran comprensión de la estructura que tenía Menandro. Es una comedia de trama complicada y con un final que casi parece casualidad que sea feliz, de todas formas, consigue muy bien la caracterización de los personajes en su temperamento y estado de ánimo.

La trasquilada

De nuevo sólo podemos hablar de fragmentos en esta comedia. Su tema es muy enredado, es el tema de los mellizos separados de niños que se reconocen cuando ya son mayores. Georgós o El Labrador, comedia de Menandro que pone en escena el conflicto entre dos familias de distinta condición social. Mírrina, una mujer de origen humilde, tiene una hija joven que ha sido violada por su joven vecino, perteneciente a una familia mucho más rica. Pero el padre del joven, que acaba de regresar de un largo viaje, tenía preparada la boda de su hijo con otra chica que es además su hermanastra.

El texto está muy deteriorado y solo de manera conjetural se puede predecir el desenlace, aunque es probable que la obra concluyera, tras no pocas peripecias, con la boda final de los dos jóvenes enamorados.


Aspís o El Escudo, comedia de Menandro que plantea un problema de herencias. Una joven heredera (epiclera) debe contraer matrimonio con su pariente más cercano a fin de asegurar que su patrimonio familiar no se atomice. el joven Cleóstrato ha marchado a la guerra a hacer fortuna y ha dejado a su hermana bajo la tutela de su tío, Queréstrato. La chica está prometida al también joven Quéreas. Y ahora surge lo imprevisto. Parece que Cleóstrato ha muerto en las campañas militares porque solo se ha encontrado en el campo de batalla el escudo que llevaba. En consecuencia su hermana pasa a ser la propietaria del rico botín que su hermano ganó en las guerras. La nueva situación provoca que el viejo Escrímines se enamore de (la fortuna de) la chica. Y lo cierto es que la ley le ampara, ya que se trata del pariente más próximo de ella. A continuación se finge la muerte de Queréstrato (que también tiene una hija joven casadera y con dote) con lo que el avaro Escrímines tendrá que elegir con cuál de sus dos ricas sobrinas casarse. Parece, dado el estado fragmentario de lo conservado, que al final el joven Quéreas consigue casarse con su antigua prometida.


Samía o La Samia, comedia de Menandro en la que la acción transcurre en la ciudad de Atenas, donde son vecinos el acaudalado Démeas y un hombre pobre llamado Nicérato. Démeas está enamorado de una hetera de la ciudad de Samos (de donde el título de la comedia), de nombre Críside. Por su parte, Mosquión es hijo adoptivo de Démeas y deja embarazada durante unas fiestas a Plangón, hija de Nicérato, circunstancia que no se atreve a comunicar a su padre adoptivo. La samia (Críside) se aviene a hacerse pasar por la madre del niño mientras se busca una solución al embrollo. A su vez, Démeas, al enterarse de que supuestamente Críside ha tenido este hijo mientras él estaba de viaje, enfurecido, decide expulsar de su casa tanto a Críside como al niño. Se complica aún más el enredo porque Démeas cree que el padre de la criatura no es otro que su propio hijo adoptivo, Mosquión. Al final se produce el desenlace feliz y se concierta, ente el regocijo general, la boda entre los dos jóvenes, padres de la criatura.

Sin duda, es una de las mejores comedias de Menandro, y de hecho el latino Terencio pudo tomarla como modelo para escribir sus Adelfos.

Dis Exapatón o El Doble Engaño es una comedia de Menandro. Su argumento parece haber influido en la comedia de Plauto Báquides, y en parte puede reconstruirse la trama gracias a la obra plautina. Un joven ateniense, de nombre Sóstrato, acompañado de su esclavo, Siro, ha ido a la ciudad de Éfeso a hacerse cargo de una importante cantidad de dinero que debían a su padre. En Éfeso, Sóstrato se enamora de una hetera, que no obstante se ha fugado con un soldado a Atenas. A su regreso a esta ciudad, Sóstrato localiza a su amada y consigue rescatarla gracias al dinero que traía para su padre del militar que la tiene secuestrada. Para ello debe fingir a su padre que le han robado parte del dinero y que el resto lo ha dejado escondido en Éfeso.


Menandro en las generaciones posteriores


Como nota general podemos decir que Menandro es un gran autor moral puesto muchas veces introduce sentencias morales en sus comedias. Pero además cuida mucho el lenguaje de estas sentencias. Algunas son de gran viveza y de fuerza increíble, como la famosísima "Hombre soy: nada humano puede serme ajeno" que nos llegó transmitida por Terencio.

La gran parte de sus obras se han perdido, pero estas frases de fuerza filosófica y poética a la vez, han sido aprovechadas, afortunadamente, por las generaciones posteriores, como es el caso de la ya citada sentencia transmitida por Terencio.

Los romanos gozaron mucho de Menandro, porque Menandro puso de manifiesto las virtudes, las pasiones, los defectos del alma humana. Así, no nos puede extrañar que el mismo Ovidio dijera "Mientras exista un esclavo engañador, un padre severo, un malvada celestina, una ramera seductora, Menandro vivirá".

Los tópicos desarrollados por Menandro han pervivido en el teatro posterior de muchas maneras, de hecho, en las obras de Menandro ya se vislumbra lo que posteriormente sería el teatro de costumbres, y en cuanto a sus personajes, no hace falta poner ejemplos, pues los hay miles, de que el esclavo engañador, el padre severo, etc. han sido personajes de miles y miles de obras a lo largo de la historia, y casi siempre, siendo tópicos y salvando particularidades, al estilo de Menandro. Su obra el "Misántropo" ha sido continuamente versionada, e influido en autores como Plauto (Aulularia o comedia de la olla) y en el francés Moliere (el avaro).

Así que, Menandro, en definitiva, es el autor que con una "sonrisa", tal vez triste, pone de manifiesto las debilidades y defectos de nuestros humanos espíritus.

Destacado dramaturgo griego del género conocido como Nueva Comedia. Escribió más de cien comedias, muchas de las cuales siguieron representándose en Atenas después de su muerte.

Influencias posteriores:

Las obras de Menandro se conservan principalmente a través de las adaptaciones de autores romanos como Plauto y Terencio. En Egipto se encontraron fragmentos de siete obras originales, entre ellos algunas secciones perdidas de La trasquilada, El arbitraje y La Samia. En 1957 los arqueólogos recuperaron, también en Egipto, el primer texto completo de una obra de Menandro, El misántropo. Las obras de Menandro comparten un mismo carácter general, ya que giran en torno a las intrigas de un enredo amoroso. Estas comedias, que ofrecen una visión de la sociedad a través de las debilidades humanas y los problemas de la vida diaria, influyeron notablemente en dramaturgos posteriores, especialmente en los de la Inglaterra del siglo XVII.


Contenido

• 1 Biografía

• 2 Obra

• 3 Véase también

• 4 Bibliografía

• 5 Enlaces externos

Biografía de Menandro

Hijo de Diopites y Hegesístrata, hermana del comediógrafo Alexis, gozó de bastantes bienes como para llevar una vida acomodada. Fue amigo juvenil de Epicuro y de Zenón, y discípulo de su pariente el poeta Alexis y del filósofo Teofrasto, sucesor de Aristóteles en la Academia y autor del tratado Los caracteres, que probablemente influyó en su obra dramática. Fue el máximo representante de la comedia nueva ateniense junto con Filemón de Siracusa (o de Soli), Dífilo, Apolonio de Caristos, Posidonio de Casandra y escribió ciento cinco piezas, de las cuales una ha llegado a nuestros tiempos completa, Arisco (Dyskolos), y seis casi enteras, Arbitraje, Detestado, Escudo, Rapada, Samia y Sicionio (títulos originales, Epitrépontes, Misoúmenos, Aspís, Perikeiroméne, Samia, Sicyonios), así como escenas sueltas de 18. Del resto sólo quedan fragmentos escogidos más o menos por su valor gnómico. Favorecido por Demetrio de Falero (317-307), cae en desgracia con Demetrio Poliorcetes y Lácares. Vive apartado con Glícera, la hetera, en el Pireo. Sus comedias fueron premiadas ocho veces (tres en las Leneas, cinco en las Dionisias), pero fue pospuesto, quizá por motivos políticos, al más antiguo Filemón, treinta años mayor, en el favor público. Declinó la invitación de Ptolomeo I Sóter de instalarse en Alejandría.

Obra

El teatro de Menandro se caracteriza, como el de toda la comedia nueva, por la ambientación urbana, el tratamiento de temas cotidianos, el abandono de los temas heroicos y la desaparición del coro en escena, a la vez que la vivacidad de los diálogos. Sus comedias, en cinco actos y separadas por intermedios, están escritas en lengua antigua, y el verso que normalmente utiliza es el yámbico. Era muy hábil en la caracterización de los personajes, que son en su mayoría tipos populares, y muchos de ellos pasaron a ser arquetipos de vicios (el parásito, el avaro, el misántropo); dominó la trama y su verosimilitud, que cuidó especialmente a causa de su formación aristotélica (respeta las unidades de lugar y tiempo). El peripatético Linceo de Samos, contemporáneo del poeta, dedicó un ensayo a su teatro. Como herencia de la tragedia de Eurípides utilizó la peripeteia o peripecia (es decir, la inversión de una situación) y la anagnórisis (reconocimiento). Los argumentos ya no proceden del mito sino de la vida real: amoríos, conflictos generacionales entre padres e hijos, niños expuestos, muchachas violadas y un final feliz con una o varias bodas. En la complicación y resolución de la intriga desempeña el azar un papel fundamental.

Escéptico en lo religioso, posee una concepción optimista de la naturaleza humana (« ¡Qué cosa tan agradable el hombre, cuando es hombre!»), por su fe en la solidaridad con el semejante ("soy hombre y nada de lo humano me es ajeno") y su creencia de que la virtud, por encima de las diferencias de raza o de estamento social, es patrimonio común del género humano. Puede tenerse por el más cabal formulador de los ideales del Humanismo.

Sus comedias fueron muy imitadas no sólo por sus contemporáneos, sino por los autores latinos Publio Terencio y Tito Maccio Plauto y, a través de ellos, su estilo pasó luego al teatro del Renacimiento europeo.

Para la obra homónima de Leandro Fernández de Moratín, véase La comedia nueva.

La comedia nueva surgió en época helenística, con características propias, en un momento en que el género teatral de la tragedia desaparecía. Por el contrario, la comedia tuvo un renacer al que los antiguos llamaron así: comedia nueva. Estas obras son piezas de costumbres que se extendieron por todo el oriente helenístico, con grandes éxitos. Las características y estructura cambiaron con respecto a la comedia anterior, llamada comedia antigua.

Contenido

• 1 Nueva estructura y temas

o 1.1 Los personajes

• 2 Autores

• 3 Comedia nueva en el arte

• 4 Bibliografía consultada

• 5 Enlaces externos


Nueva estructura y temas



La forma de la comedia nueva helenística cambió con respecto a la que estuvo en vigor en el siglo IV a. C. Desaparecieron el coro y la parábasis, el argumento fue dividido en actos y se estableció un prólogo en el cual el autor presentaba sus opiniones.

El tema principal solía ser el amor, con toda clase de contrariedades a lo largo de la representación, llegando siempre a un final feliz. Los caracteres de los personajes eran el resultado de un minucioso estudio y aumentaron en número hasta llegar a ser 44: nueve de ancianos y adultos, 17 de mujeres, 11 de jóvenes y 7 de esclavos. El tono general de la obra siguió siendo alegre, utilizando el habla familiar de gente común como soldados, cocineros, esclavos que se veían siempre inmersos en situaciones cómicas y a veces grotescas.

Los personajes
Aparecen estos nuevos personajes:
• Criado perezoso pero buen servidor de su amo
• Siervos de la gleba, es decir, esclavos agregados a una heredad que seguían manteniendo ese estado al cambiar de dueño
• Vieja nodriza
• Tío avaro
• Tutor ladrón
• Jovencita santurrona
• Cortesana

Uno de estos personajes se transformaba a menudo en el gracioso de la historia, como ocurrió más tarde en las comedias de Molière (el avaro, influjo del misántropo de Menandro) y de Tirso de Molina.
Autores de la Comedia Nueva

En Grecia: Los más sobresalientes fueron tres: Dífilo, Filemón (361 a. C.- 264 a. C.) y Menandro de Atenas, conocido entre los eruditos bizantinos como la estrella de la comedia nueva. Fue autor de casi 110 comedias.

En Roma, tras el contacto con la Magna Grecia, se instituye la comedia latina. Hasta Nevio el atuendo es griego (fabulae palliatae), luego toman tema romano (fabulae praetextae). Los autores principales son:

Plauto, quien adaptó el repertorio cómico griego y su técnica teatral a las necesidades romanas. Destaca la inventiva y la vivacidad, si bien sus personajes son convencionales.

Terencio, quien imitó el equilibrio escénico y la agudeza sicológica de Menandro. Sus tipos son parecidos a los de Plauto; usa el monólogo para reflejar la vida interior y aun la evolución sicológica.

Comedia nueva en el arte

Han llegado hasta nuestros días infinidad de relieves donde se muestra alguna escena de este género, un mimo, un histrión engalanado con guirnaldas de flores u otros personajes. También existen pequeñas figuritas de cerámica que dan una perfecta visión del personaje que representan, de pícaros comediantes e incluso familiares. Muchas de estas obras están recogidas en los museos de Berlín, Atenas y Múnich.

DRAMA SATÍRICO De Wikipedia, la enciclopedia libre

Paposileno del drama satírico tocando los crótalos, Figurillas de terracota beocia, museo del Louvre.

El drama satírico es un género literario de la Grecia Antigua, estrechamente asociado a la tragedia. Lo cultivaron los trágicos, debe su nombre al coro de Sátiros (séquito de Dioniso). Aúna la estructura de la tragedia con el fin que persigue de comedia.

En época clásica, en Atenas, los autores debían presentar a concurso tres tragedias y un drama satírico, las cuatro obras eran interpretadas por los mismos actores. Según la tradición, un tal Prátinas de Fliunte (fin del siglo VI a. C.-principios de siglo V a. C. es el inventor del género. Se trataría de conservar un sitio, en el teatro griego, para Dioniso y los sátiros, excluidos a partir del periodo clásico de la tragedia, con gran daño para algunos aficionados. Plutarco lo relata así: « Cuando Frínico y Esquilo desarrollaron la tragedia para incluir en ellas intrigas mitológicas y desastres, la reacción fue: « ¿Qué tiene que ver con Dioniso?» (Diálogos de sobremesa, I, 1, 5).

El género es mal conocido, debido a que han sobrevivido pocas obras. El único drama completo es El Cíclope de Eurípides. Existen importantes fragmentos de los Tiradores de red y los Espectadores del Istmo de Esquilo, y de los Sabuesos de Sófocles. Se puede, igualmente, situar en esta categoría el Alcestis de Eurípides, tragedia con desenlace feliz, presentada en 438 a. C. en cuarta posición, en el lugar del drama satírico.

Según el pseudo-Demetrio de Falero, el drama satírico es una «tragedia que divierte» (Del estilo, 169). Pone en escena un coro de sátiros, desnudos e itifálicos, dirigidos por Sileno y enfrentados a un héroe mitológico, según una estructura similar a la de la tragedia: prólogo, entrada del coro, episodios y salida. La escena transcurre en una naturaleza salvaje. En el Cíclope, los sátiros son esclavizados por Polifemo, hijo de Poseidón; Ulises y los guerreros aqueos que le acompañan, acaban prisioneros del cíclope, los sátiros les ayudan para fugarse con ellos. En los Sabuesos, los sátiros, esclavos de no se sabe quien, proponen su ayuda a Apolo, a quien el recién nacido Hermes viene de robar sus rebaños.

En el siglo IV a. C., los poetas trágicos dejan de presentar un drama satírico con su trilogía trágica. De hecho, el drama se emancipa para ser una prueba en parte entera, por ejemplo en las Dionisias de Delos o en las Hereas de Samos.

Hace aproximadamente un siglo se descubrieron unos papiros que han restituido buena parte del texto de un drama satírico de Sófocles, Los rastreadores, en el que unos sátiros guiados por Sileno intentan localizar los bueyes que alguien había robado al dios Apolo. El juguetón Hermes, todavía niño, es el autor de tal travesura, dato que ya era conocido por el antiguo Himno homérico a Hermes.

BIBLIOGRAFÍA:

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- MARTÍNEZ DÍEZ, Alfonso, Ágora III. Griego 3º Bachillerato, Ed Bruño, Madrid 1977

- MARTÍNEZ DÍEZ, A. y TORRES RUÍZ, J., Griego C.O.U., Ed. Bruño, Madrid 1978

- SÓFOCLES, Antígona, Edipo Rey, Electra, (Edición de Luis Gil), Ed. Guadarrama, Barcelona 1982

- SÓFOCLES, Teatro completo, (Edición de Julio Pallí Bonet), Ed. Bruguera, Barcelona 1978

El MIMO GRIEGO     Historia

Los primeros mimos occidentales aparecieron en los teatros de Grecia e Italia en el siglo V a. C. La mímica era un importante elemento en los teatros de la época, donde buena parte del público no podía oír a los actores.

Definición del gramático Diomedes del s IV p.C.:“imitación de la vida que contiene tanto lo permitido como lo que no lo está”, definición en que se hace hincapié en el elemento mimético-que aquí vale tanto como realista- y en el carácter amoral del mimo.

Autores griegos: Epicarmo, Herodas, Sofrón y su hijo Jenarco. Algunos fragmentos de estos autores y de los mimos ambulantes, así como de las diferentes técnicas de todo tipo de imitaciones de animales y ruidos los conocemos por las obras de Platón y Aristóteles, otros por papiros egipcios como el mimo Carition (tema de la Adúltera) encontrado en el Papiro de Oxirrinco y otros por los datos de historiadores como Jenofontey Heródoto.

Temas y motivos: A.L.Melero

Así el de los asistentes a una fiesta que cuentan lo que en ella han visto aparece en Epicarmo (thearoi), Sofrón (las mujeres que prometen desterrara a la diosa), el Idilio XVI de Teócrito y en el Mimiambo IV de Herodas. Igualmente, el motivo del ensueño está presente en Epicarmo, Herodas (Mim. VIII) y en el Rudens de Plauto. La invocación a Hécate por una enamorada desgraciada reaparece en Sofrón y Teócrito (11). El tema del Baubôn y el ólisbos en Epicarmo, Herodas (Mim. VI) y la comedia ática (Cratino y Aristófanes).El del zapatero en Herodas (Mim. VII) y Eubulo. El ladrón desvergonzado en Herodas (VI, 63) y Eubeo. La alcahueta en Herodas (I y II) y Filípides. El kinaidós en Epicarmo, Eubulo y Herodas (Mim. II). No es pura casualidad que fuera allí en Sicilia donde Epicarmo creara el primer género de comedia griega de que tenemos noticias. Y una comedia, además, que, por lo que sabemos por los pocos fragmentos e informaciones que de ella nos han llegado, estaba próxima al mimo, si no se alimentó de él. Fue Sofrón, sin embargo, el que elevó el mimo a la categoría de género literario. Un género, además, que, si no por su temática, sí, al menos, por su técnica y tratamiento de las situaciones y personajes impresionó a Platón hasta el punto de que se sirvió de él como modelo para el marco escénico de sus diálogos. A partir de Sofrón el mimo se convierte en un producto típicamente siciliano que, con el atractivo del exotismo de su origen colonial, se importa a la Grecia continental y muy especialmente a Atenas, al igual que otros productos culturales como el kótabos o la danza siciliana (sikelízein). Las comedias de Epicarmo eran unas obras breves que ponían en escena situaciones de la vida cotidiana. Títulos como los de “la tierra y el mar” o “Don Discurso y Discursina” trataban el tema popular de la synkrisis o disputa de figuras simbólicas, semejantes en su concepción a las de don Carnal y doña Cuaresma de nuestra literatura medieval. “Ga y Thalassa” así como el “Olieus tón agroitan” de Sofrón debían tratar el tema de cuál de las dos artes, la agricultura o la navegación, presta un mayor servicio a la humanidad, tema del que Libanio nos ha conservado un retazo. Otro título de, Epicarmo, las Chytrai (las ollas), trataba, según Crusius, el tema que reencontramos en el conocido paso de Las Aceitunas de Lope de Rueda. Los tipos de Epicarmo también parecen populares en su concepción: el parásito en “Elpis= la Esperanza” o el “Ploutos”=la riqueza”, el del rústico intratable de su Agrôstinos”, precedente de los campesinos y diskolos(el intratable misántropo) de la comedia Nueva; quizás el períallos o superhombre, antecedente del álazôn y el miles gloriosus latino. Eran frecuentes las escenas de banquete, con enumeración de platos y golosinas exquisitos.

Los tipos eran también populares: el Heracles (o Herýkalos como era vulgarmente llamado) comilón, el juez que se expresa en un galimatías ininteligible y que le sirve para la burla y parodia de los refinamientos lingüísticos de la retórica siciliana, tema éste que también aparece en Epicarmo. Las indecencias y obscenidades no podían faltar y la lengua debía estar muy próxima a la del pueblo, como prueban las hiperbólicas comparaciones como la del fr. 34 y 122; los motes o nombres parlantes: así el Koikai de los frs. 15-18), formado quizás de koi koi onomatopeya del gruñido del cerdo. Igualmente abundan los refranes y los juegos de palabras ingenuos como el Loxon tas logadas del fr. 37. El senex tremulus, mucidus de Aristófanes, Herodas y Plauto. En tiempo de Esquilo hubo un mimo muy célebre llamado Telestes que se especializó en imitar, mimando hasta el último matiz. Los siete contra Tebas. E n el 514 Livio Andrónico lo introdujo en Roma, la Pantomima. Hubo dos mimos famosísimos, Pílades, de Sicilia, y Batilo de Alejandría. Pílades era un mimo trágico y Batilo cómico, y había entre ellos una gran rivalidad. Después de una gran pelea entre ellos, con el consiguiente escándalo ciudadano. Augusto reconvino a Pílades, y éste le dijo: "César, te interesa que el pueblo se divierta con nuestras querellas, así les impides que se fijen en tus acciones".

A riesgo de simplificar, podríamos concluir que el teatro siciliano, las comedias de Epicarmo y los mimos de Sofrón y Jenaco, son el resultado de un proceso de literaturización a partir de la primitiva farsa doria, proceso que podemos formular diciendo que el mimo o teatro popular improvisado, en proximidad con una poesía dramática vigorosa, muestra siempre tendencia a la literaturización, es decir, a la fijación en un texto escrito. No obstante, este mimo siciliano importado a Grecia no pudo resistir la competencia del gran teatro ático, en que el elemento teatral estaba al servicio de una elevada poesía dramática y en el que se daba cita la comunidad entera. El drama ático redujo las posibilidades de la farsa popular. Para Atenas no tenemos atestiguada la existencia de representaciones teatrales del tipo de las de la farsa doria. El medio de elección para ésta, por lo que parece deducirse de sus temas, era más bien el de pequeñas comunidades rurales con un bajo nivel de desarrollo cultural.

Es muy posible que existiera en el Ática un teatro de esas características. Algunos de sus elementos, tipos, temas o escenas tradicionales pudieron pasar a la comedia o al drama satírico.

No resulta descabellado atribuir el origen de tal o cual elemento de estos géneros a un teatro popular semejante al de la farsa doria, pero la existencia de un teatro ateniense tal, en el estado actual de nuestros conocimientos, resulta indemostrable.

Un descubrimiento arqueológico nos atestigua, ya para fines del siglo III a.C, el tipo de compañía mímica que hemos descrito. Se trata de una lamparilla de terracota, encontrada en la ladera occidental de la Acrópolis de Atenas, en la que aparecen representados tres mimólogos y en la que puede leerse: Mimólogoi Hipóthesis Hékura. Sin duda, el tema de la obra que pusieron en escena. Se ha pensado que dicho tema es una adaptación a la práctica mímica escénica de alguna comedia en boga de la época, más concretamente, la comedia del mismo título de Apolodoro de Caristo. Sin embargo, resulta difícil olvidar que un mimo de Sofrón llevaba por título Penthera. La lamparilla en cuestión nos muestra tres tipos, desprovistos de máscara y en traje normal: en el centro el que parece ser el tonto (stupidus), calvo y con grandes orejas que le cuelgan a lo largo de las mejillas; a su derecha, un joven elegantemente ataviado y, a su izquierda, un tipo extranjero y, a juzgar por su nariz achatada y sus gruesos labios, de raza negra. En realidad es puramente casual el que el descubrimiento proceda de Atenas. No debió de ser en esta ciudad donde 'el teatro mímico encontrara las mejores condiciones para su desarrollo.

No es en el cultivado mundo del occidente helenístico en donde debemos imaginarnos la actividad de estos mimólogos, sino, más bien, en las grandes ciudades del este, en donde confluían gentes procedentes de las más diversas regiones y hablando las más extrañas lenguas.

Un público abigarrado, inquieto, ávido de novedades, ambicioso, que no encontraba ya deleite alguno en la contemplación de las comedias de Menandro, cuyas moralejas y máximas debían de sonarle, sin dudas como ñoños sermones y que gustaba, al contrario, de los espectáculos crudos, movidos, llenos de sorpresas, en que el bastonazo, la grosería y el portento no estuvieran al servicio más que de sí mismos. Este es el mimo que encontramos ya en los papiros egipcios.

Las hypóthesis o mimos de mayor complejidad y amplitud no podían representarse en ámbitos privados, sino que necesitaban de la escena pública, que en época tardía estaba fundamentalmente al servicio de este tipo de representaciones. Tampoco se requería orquesta ni escenografía.

Los actores aparecían en escena con sus vestidos habituales, exóticos, sin duda, como suele ser habitual en este tipo de artistas, y a ellos podían añadir algunos adminículos emblemáticos de su función en la obra.

Aparecían sin máscara y con el calzado cotidiano. Éste es el tipo de teatro que gozó de mayor popularidad en la Antigüedad y no murió con ella. Su capacidad de adaptación a las circunstancias históricas hizo que sobreviviera, conservando en su interior las gotas de maravilla y portento verosímiles que constituían su esencia.

Influjos: Lo vemos asomar en los círculos cristianos, en el mimo cristológico, convertido ahora en instrumento valioso de propagación doctrinal. Lo reconocemos en los espectáculos de los ioculatores medievales, descendientes directos de las antiguas asociaciones de Technitai o lo oímos, a través de las quejas de los poetas, celosos del favor de que gozaban los mimos, alegrar las cortes de los señores medievales, en donde gozaron de notable reputación. Lo reencontramos en Italia (siglo XVI) en la commedia dell'arte y, a través de ésta, en los modernos teatros nacionales. Lo admiramos aún hoy en los espectáculos de algunas compañías que, quizás, sin saberlo, nos ofrecen en los odres nuevos de la dramaturgia moderna el añejo vino del teatro popular antiguo. En el origen del cine mudo, como el célebre Charles Chaplin, entre otros.